Un articolo cruciale di Alessandro per cercare di districare la grande confusione esistente oggi nel mondo delle arti. I creatori di opere d’arte ci sono sempre stati. Ma dall’avvento della cosidetta “arte contemporanea” per questi creatori è emersa una certa crisi di identità professionale. Difficile dare risposte precise a questioni come: è indispensabile ancora possedere conoscenze, abilità ed esperienze specifiche o no? L’opera deve essere realizzata al meglio, “a regola d’arte” o è sufficiente una buona  idea o un buon concetto? E a livello didattico, i Licei Artistici e le Accademie di Belle Arti devono formare i “Pittori, Scultori, Decoratori e Scenografi” del futuro….o gli “Artisti” del futuro? Questa che pubblichiamo è la prima parte della interessantissima riflessione di Alessandro, che parte dall’antichità.

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La fine dell’arte5: Pittori o Artisti, prima parte”
di Alessandro Querci

Credo che molta della confusione che imperversa nei riguardi delle concezioni, e relativi commenti, sull’arte contemporanea si fondi sulla confusione nata e cresciuta intorno a questioni terminologiche, cioè nel modo in cui noi siamo abituati a chiamare le cose.
Sergio Michilini – che ospita le mie riflessioni e che spesso ha concezioni opposte alle mie – ha le idee piuttosto chiare in merito: infatti ha definito il suo blog usando, non a caso, il termine ‘pittore’ e rifuggendo dal termine ‘artista’.

Il concetto di arte, come la concepiamo oggi, è relativamente recente.
I greci usavano il termine τέχνη (téchne), che è qualcosa che sta di mezzo alla pura e semplice tecnica – ovvero il modo in cui si fa una cosa – e l’arte stessa, cioè il ‘farla bene’, secondo l’applicazione di ‘regole’.
Questa va dalla doma dei cavalli e la calzoleria alla decorazione dei vasi e la poesia.
C’è da notare che fra le arti protette dalle ‘Muse’, figlie di Zeus e Mnemosine, non figurano nè la pittura nè la scultura. Ciò è spiegato in base al principio che pittura e scultura fossero arti ‘mimetiche’, volte cioè a un mero ‘ricalco’ ciò che già esiste in natura, ed in questo senso di scarso interesse.
Questo termine fu tradotto dai latini con ‘ars’.
Allo stesso modo della téchne, l’arte aveva a che fare con varie forme dell’attività umana: poesia, architettura, scultura, musica. Ma c’era anche l’arte della guerra, quella dell’amore e quella della divinazione.

I migliori artigiani non venivano definiti come ‘artisti’, ma in base a quella che era la loro specializzazione, in quanto possedeva una ‘competenza-abilità-eccellenza’ nel fare quella cosa. Si parlava quindi di pittori, scultori, orafi, sarti e muratori.
Lo stesso concetto si ritrova attraverso il medioevo, finanche al rinascimento.
Quindi anche i pittori, identificati per la prima volta dal Vasari con le sue ‘Vite’, erano ‘tecnici’, eccellenti artigiani.
Non gli era riconosciuta alcuna peculiarità professionale, giacchè nella Firenze del ‘500 ancora rientravano nell’ordine degli ‘speziali’, coloro che avevano a che fare con spezie e medicamenti, nel loro caso i pigmenti per fare i colori. Così come gli scultori rientravano nell’ordine delle ‘arti’ degli ‘orafi’.
L’arte era un mestiere, l’artista non si distingue dall’operaio e si sottopone a un lungo apprendistato dove si prende confidenza con impasti, colle, bulini e altri attrezzi.
Gli stessi pittori provenivano spesso da ‘botteghe’ dove si erano specializzati in altri campi, il Ghirlandaio era figlio di un orafo ed orafo egli stesso (così chiamato per la preziosità delle sue ‘ghirlande’), così come Andrea del Sarto, i fratelli Antonio e Piero del Pollaiolo e Botticelli, che prende il nome dall’orefice per il quale dimostrava grande sapienza nel “disegnare filigrane d’oro, cesellare i gioielli delle donne, i reliquiari, le margherite e le rose che avrebbero adornato i suoi quadri successivi”.
All’interno delle corti gli artisti erano figure assi poco influenti, seppur coccolati, qualcosa in più di semplici servitori, e dovevano sottostare alle commissioni che gli venivano affidate dai loro mentori.
Allo stesso tempo mostravano un naturale eclettismo, una competenza in svariate discipline manuali, e non disdegnavano venir pagati per realizzare opere assai diverse: Botticelli lavora sapientemente stoffe e stendardi, Filippino Lippi – di indole mondana – è assai apprezzato per l’organizzazione delle feste e la realizzazione di scenografie e addobbi e altri pittori dipingono e realizzano un pò di tutto: dai cofani e bacini per il parto ai cassettoni e gli armadi.
Così come molti scultori, avendo sapienza di come si forgia e modella il metallo, realizzano elmi e candelabri e cesellano al fuoco smalti d’argento.
Non erano lautamente pagati e non era per loro conveniente rifiutare alcuna commissione.
Michelangelo, controvoglia, scolpisce un’effimera statua di neve per ordine di Pero de’ Medici nel cortile del palazzo a loro nome, vicino al Duomo, così come al Bernini venivano richieste dall’aristocrazia romana sculture per torte monumentali, fatte di panna, gelatina e creme di vario colore e densità.
Il committente poteva aver a che ridire sull’operato, come quando lo stesso Piero si lamentò dell’eccessivo numero di ‘serafini’ sul cielo di un affresco di Benozzo Gozzoli, e il pittore si dette da fare per ricoprirli con delle nuvole.
Nel ‘600 si ha traccia in documenti ufficiali della richiesta da parte della corporazione dei pittori di una sorta di ‘cassa integrazione’, un fondo comune per poter sostenere gli artigiani iscritti nei momenti di ‘magra’, cioè in assenza di commissioni.

Questo ci fa capire quanto l’idea di arte, e artista, sia un prodotto dell’epoca recente e quanto – al contrario – l’arte del passato fosse niente di più e niente di meno che un mestiere, pur svolto con grande maestria, ma considerato poco conveniente ai gentiluomini.

Del perchè e del come dal pittore si sia passati all’artista, sarà il tema del prossimo post.

Fonti:
J. Kucas-Dubreton – La vita quotidiana a Firenze ai tempi dei Medici – Rizzoli 1985
Federico Zeri – Davanti all’immagine – Longanesi 1987
A. Hauser – Storia sociale dell’arte – Einaudi 1955-2001
Roy Doliner – I segreti della Sistina – Rizzoli 2008
Larry Shiner – L’invenzione dell’arte – Einaudi 2010